El Año 1984 en ROCK

1984 marcó el límite máximo de la "Nueva Música" de los años ochenta, y la invasión británica seguía siendo una fuerza a tener en cuenta. En marzo, 24 de los 50 mejores singles en los EE.UU. fueron por actos británicos. También fue un año en el que bandas de sonido produjeron un gran éxito tras otro, la banda sonora de Footloose fue el más grande de estos, con Kenny Loggins, Deniece Williams, y el dúo de Mike Reno y Ann Wilson, todos con grandes éxitos. Prince saco varios hits, y alcanzó el pináculo de su carrera, con canciones de la banda sonora de Purple Rain, y Ray Parker Jr. obtuvo  un hit # 1 con el tema de Los Cazafantasmas, al igual que una demanda por plagio presentada por Huey Lewis y the news. Tina Turner hizo el mayor regreso en la historia del rock, Madonna se presentó en su primer (pero ciertamente no la última) encarnación como un "boy toy", y Phil Collins y Steve Perry _Génesis y Journey, respectivamente_ descubrieron lo exitoso que se puede ser en solitario, con solo seguir algunas pautas simples: haz tu música bailable y compatible con MTV. Los críticos, por supuesto, lamentaron la escasez de "mensaje" en la Nueva Música,  y muchos culparon al video. Pero no pudieron negar que  la industria  musical,  que habia sufrido tanto  a finales de los años setenta, estaba sana otra vez. E incluso la gente como Bruce Springsteen y Hall & Oates, aunque inicialmente despectivos a la importancia de vídeo en sus carreras, se subieron al carro - y se han beneficiado en gran medida por el compromiso.

El Reggae entró al mainstream, gracias en parte al trabajo de UB40: Labour of Love, y un entusiasmo cada vez mayor en los suburbios blancos representaron un flujo constante de Bob Marley álbumes, singles, videos y libros. Electro-pop se insinuaba en todos los géneros, lo que sí indispensable para artistas tan diversos como Earth, Wind & Fire a New Order. De hecho, en muchos aspectos, el electro se hizo cargo de la música soul y el rap vigorizado. Pregúntale a DJ y rapero Afrika Bambaata. Los Mellizos Thompson demostraron que podían hacer algo de música muy bien con nada más que equipos de alta tecnología. Parecía que todos estaban empleando la caja de ritmos y el sintetizador - incluso el Dr. John ("Jet Set"). El Electro siguió revuelo controversia, ya que las clases antigua persistieron en su creencia de que la Oberheim DMX y otros artilugios electrónicos traicionado música porque cualquiera podía hacer música con ellos. Como si había algo intrínsecamente malo en ello.

Tan controvertido como el electro mantuvo, la mayor controversia del año rodeado de Frankie Goes To Hollywood, que se atrevió a abordar los tabúes gemelos de sexo y política con su monstruo de éxitos "Relax" y "Two Tribes". El video de la primera fue prohibido en Gran Bretaña porque se trataba de sexo gay - asegurando que el único que captura al # 1. Este último se quedó en el puesto # 1 durante nueve semanas y fue disco de oro en siete días. La lección: aunque un grupo de becarios moderadamente talentosos productores de material de media podría elevarse al estrellato si estaban dispuestos a ser un poco extravagante e iconoclasta. Un espejo de los tiempos, la música se había vuelto muy conservador. Esto fue más evidente que en el país-y occidental-, donde lo más raro que pasó fue que Willie Nelson se unió con el español Julio Iglesias, cantante de un solo golpe. C & W fue nunca más homogeneizado, el país fue Osmonds, Vegas salón cantante Lee Greenwood fue nombrado el Mejor Cantante Masculino y Slim Whitman hizo furor en Gran Bretaña. Antes de la década fue, sin embargo, la música country sería cambiado fundamentalmente.

En el final del negocio de las cosas, este fue el año en que las compañías discográficas comenzaron a replantearse regalando videos como material de promoción libre, y el inicio pensando en ellos como un medio para obtener un beneficio. MTV acuerdos con varias grandes discográficas, pagando millones por los derechos exclusivos a los vídeos. Sin embargo, MTV mostró un beneficio por primera vez en el primer trimestre del '84. Otras entidades que mostraron ganancias, algunos tremendos. CBS disfrutado de un aumento del 500% en las utilidades. De toda la industria, el número de discos de oro certificado fue un 25% respecto al año anterior. las ventas de cassettes superado LPs. En el ámbito legal, un tribunal de primera instancia dictaminó que la Comisión Federal de Comercio no ha podido demostrar que la fusión propuesta de Warner y Polygram las operaciones nacionales de registro fue una violación antimonopolio. La fusión se concentraría el 26% del mercado discográfico estadounidense en una empresa conjunta.



Eventos destacados del año

Bob Geldof organiza una reunión de estrellas de rock llamada Band Aid para grabar "No saben que es Navidad", cuyo producto se destinará a paliar el hambre en Etiopía. La canción debutó en el # 1 en el Reino Unido (noviembre), y dos semanas más tarde hizo la parte superior de la tabla de EE.UU.. Escrito por Geldorf, la canción finalmente vender 50 millones de copias. Entre los que realizan: Bananarama, Culture Club, Duran Duran, Eurythmics, Heaven 17, Kool and the Gang, Paul McCartney, Paul Young, Phil Collins, Sting, U2 y Wham!

Thriller de Michael Jackson, después de haber vendido 30 millones de unidades (hasta ahora) y un récord de 32 semanas en la cima de la lista de álbumes, el artista obtiene un récord de ocho premios Grammy y siete American Music Awards. El 26 de enero, el pelo de Michael se incendia mientras está filmando un comercial de Pepsi, el artista sufre quemaduras de segundo grado.

conciertos de The Jacksons "La victoria es la gira más taquillera del año. Michael Jackson ganó $ 5 millones - y se entregó a todos a la caridad. Mientras tanto, Bruce Springsteen, nacido en los EE.UU. gira visitó 61 ciudades en 11 países - y fue visto por 4.700.000 aficionados.

primero de Gran Bretaña canal de televisión por cable, Sky Channel, comienza a funcionar en enero. Y, mientras que sobre el tema del Reino Unido, "Relax" de Frankie Goes to Hollywood se convierte en éxito de ventas de Gran Bretaña única de la década de 1980. La canción de ejecución de 43 semanas de gráfico sería el más largo desde "Release Me" Englebert Humperdinck en 1967-68. Su álbum debut, Welcome To The Pleasuredome, estableció un nuevo récord de más de un millón pedidos por adelantado y entró a las listas del Reino Unido en el # 1.

Después de pasar ocho años en un coma inducido por movimiento, gran alma muere Jackie Wilson, de 49 años. Otras muertes en 1984: cantantes de blues Big Mama Thornton y Alberta Hunter, la leyenda del country Ernest Tubb, ZZ R & B Hill, líder de la banda de jazz de Count Basie (79), bluegrass selector de Don Reno ("Duelo de banjos"), de 58 años, compositor y Meredith Wilson. Ethel Merman muere a los 75. Alma superestrella de Marvin Gaye es asesinado a balazos por su padre, un pastor jubilado, durante una discusión familiar. ZZ Top bajista Dusty Hill accidentalmente se dispara en el abdomen con una pistola calibre .38, pero sobrevive.

http://eightiesclub.tripod.com/id200.htm 

Deep Purple

Deep Purple es una banda de rock formada en Hertford, Inglaterra, en 1968, que está considerada como una de las pioneras del heavy metal y del hard rock, aunque también incorporó elementos del pop y del rock progresivo. A lo largo de su carrera han vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo, y fueron reconocidos como la banda más ruidosa del mundo por el libro Guinness de los récords en los años 70.

La banda ha sufrido múltiples cambios en su alineación y permaneció inactiva desde 1976 hasta 1984. Sus cuatro primeras alineaciones son a menudo etiquetadas como "Mark I", "II", "III" y "IV". La "Mark II", formada por Ian Gillan (voz), Ritchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (teclados), Ian Paice (batería) y Roger Glover (bajo), fue la alineación más exitosa y la que mayores ventas ha cosechado, y se mantuvo en activo desde 1969 a 1973, 1984 a 1989 y nuevamente entre 1992 a 1993 cuando la relación entre Blackmore y el resto de los músicos se volvió irreparable. Su alineación actual, que cuenta con Steve Morse en lugar de Blackmore y con Don Airey en lugar de Lord, lleva en activo desde 2002.

Ian Gillan

Ritchie Blackmore

Jon Lord

Ian Paice

Roger Glover

 En 1967, el antiguo batería de The Searchers, Chris Curtis, contactó con Tony Edwards, un hombre de negocios londinense, para pedirle si podía ser el representante del nuevo grupo que había ideado, y que iba a llamarse Roundabout, llamado así porque los músicos iban a entrar y salir de él como si estuvieran en una rotonda (roundabout significa "rotonda" en inglés). Impresionado con el plan, Edwards aceptó financiar la banda con dos compañeros de negocios: John Coletta y Ron Hire, con los que formaba HEC Enterprises.

El primer músico en reclutar fue el teclista de corte clásico Jon Lord, que había tocado para The Artwoods, cuyo líder Art Wood es hermano del actual guitarrista de los Rolling Stones Ronnie Wood. El siguiente en unirse al grupo fue Ritchie Blackmore, un guitarrista de sesión al que tuvieron que convencer para regresar de Hamburgo, donde estaba para realizar una audición para otra banda. Poco después Curtis abandonó el proyecto, pero tanto HEC Enterprises como Lord y Blackmore decidieron continuar.

Para llenar el hueco en el bajo, Lord recomendó a su amigo de la infancia Nick Simper, con quien había coincidido en una banda llamada The Flower Pot Men y que era también ex-miembro de Johnny Kidd & The Pirates. La alineación se completó con el vocalista Rod Evans y el batería Ian Paice. Tras una pequeña gira por Dinamarca, Blackmore sugirió un nuevo nombre para la banda, Deep Purple, que era la canción favorita de su abuela.
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Consolidación (1968 - 1970)

El primer éxito de la banda vino con la versión de "Hush", canción original de Joe South que alcanzó el segundo puesto en Estados Unidos y el cuarto en Canadá, aunque en Gran Bretaña pasó desapercibida. Tomando como ejemplo a la banda Vanilla Fudge, la banda desarrolló un rock psicodélico con influencias de la música de Bach y Rimsky-Korsakov en el teclado de Lord. Gracias a "Hush" y al buen recibimiento que también tuvo el disco debut Shades of Deep Purple, la banda se embarcó en una gira como teloneros de Cream.

El siguiente álbum, The Book of Taliesyn, fue publicado en los Estados Unidos para que coincidiese con su gira de promoción, alcanzando el puesto 38 en este país. En Gran Bretaña fue publicado al año siguiente, aunque volvió a pasar desapercibido una vez más. Tras el álbum homónimo publicado tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos en 1969 y continuas giras por América del Norte, la compañía Tetragrammaton Records, encargada de la distribución de sus álbumes en EE. UU., se disolvió por motivos económicos, dejando a Deep Purple con un futuro incierto y sin dinero. Sin embargo, Warner Bros. Records asumió las deudas de Tetragrammaton y publicó los trabajos de la banda en los Estados Unidos en la década de los 70. A comienzos de 1969 Deep Purple regresó a Gran Bretaña y grabó una canción llamada "Emmaretta" (que proviene del nombre de una de las bailarinas del musical Hair, a quien Evans trataba de seducir).

No satisfecho con el trabajo de Evans, Blackmore contactó con su amigo Mick Underwood, batería de Episode Six, quien le recomendó a su compañero Ian Gillan. Con el objetivo de contratar a Gillan, Blackmore y Lord acudieron a un concierto de Episode Six. Al finalizar la actuación, ambos miembros fueron a hablar con el vocalista e intentaron convencerle para unirse a Deep Purple, pero Gillan puso como condición que también se incorporase el bajista Roger Glover. Esta proposición encajaba con los planes de Lord y Blackmore, ya que Evans y Simper eran buenos amigos y la salida de uno propiciaría mal ambiente en el seno del grupo. Sin embargo, Glover no estaba seguro de qué opción escoger, puesto que era el principal compositor de Episode Six, y su marcha provocaría el fin de la banda. Además, no confiaba en las posibilidades de éxito de Deep Purple, ya que en Inglaterra no tenían ningún éxito. Finalmente, Glover decidió unirse a la nueva banda, lo que provocó el final de Episode Six y el despido de Simper.

El primer trabajo publicado por esta nueva alineación fue Concerto for Group and Orchestra en 1969, un concierto compuesto por Lord en tres movimientos interpretado por la banda y la Royal Philarmonic Orchestra dirigida por Malcolm Arnold en el Royal Albert Hall de Londres. Este disco fue uno de los primeros en presentar a una banda de rock tocando con una orquesta, aunque en aquel entonces algunos miembros del grupo (como Gillan y Blackmore) tenían en mente desarrollar un estilo más orientado hacia el Heavy Rock. A pesar de esto, Lord compuso Gemini Suite, que la banda interpretó en directo en 1970, siendo otra fusión entre rock y música clásica.
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Gillan - Glover Mk II (1970-1973)

En junio de 1970 sale al mercado el cuarto disco de estudio y el primero con la nueva alineación titulado Deep Purple in Rock, que marcó el cambio definitivo del sonido de Deep Purple, pasando de ser una banda rock/pop con toques incluso progresivos, donde sus mayores éxitos eran versiones de otros grupos, a ser una de las formaciones de Heavy Rock más sólidas del momento. En Deep Purple in Rock se encuentran canciones clave dentro de la historia de Deep Purple, como «Child in Time», «Speed King» o el sencillo «Black Night», que alcanzó el segundo puesto en las listas de sencillos del Reino Unido, dando inicio a una larga gira por el norte de Europa.

En julio de 1971 Deep Purple se embarca en la gira Norteamericana junto a la banda de Rod Stewart The Faces y dos meses más tarde publica Fireball, alcanzando el Top 40 de los charts americanos y el No. 1 de las listas británicas, otorgando la solidez suficiente para que la banda creara en octubre de ese mismo año su propio sello discográfico, "Purple Records".

Todo va en buen camino para los miembros de Deep Purple', a excepción de Roger Glover, quien extrañamente comienza a sufrir intensos dolores estomacales, inconvenientes que con el correr del tiempo fueron incrementándose, a tal punto de poner en riesgo las presentaciones de la banda. Blackmore, que observaba la situación como un espectador más, en una ocasión tras el escenario, mientras Glover se retorcía de dolor, atinó a comentarle que sería capaz de sobrellevar esos dolores mientras estaban actuando. Fue tal el problema que en una oportunidad Glover fue reemplazado en el bajo por Chas Hodges, antiguo compañero de Blackmore en la banda The Outlaws. Ni los doctores pudieron aplacar el malestar del bajista, quien finalmente tras unas sesiones de hipnoterapia pudo solucionar el problema. Todo se debía a una tensión subconsciente.

El 3 de diciembre la banda se encuentra en Montreux Suiza para comenzar con las sesiones de su próximo álbum, Machine Head, su obra de mayor éxito comercial, álbum que contiene varios de sus himnos más reconocidos, como «Lazy», «Highway Star» o la popular «Smoke on the Water», canción que narra lo ocurrido al grupo en un incendio que arrasó el casino de Monteux en Suiza mientras asistían a un concierto de Frank Zappa & The Mother of Inventions. Cabe señalar que ese previamente había sido el lugar escogido por la banda para las sesiones de grabación de su nueva producción. Este desafortunado incidente los llevó finalmente a alquilar un hotel vacío por temporada para comenzar aquellas sesiones utilizando el estudio móvil de grabación de The Rolling Stones. Monstruosas giras y concientros en vivo le suceden al nuevo álbum, tocando durante 44 semanas seguidas, solo siendo secundados por sus homólogos Led Zeppelin.

Aunque la banda había llegado a la cima del éxito, las extensas giras, el cansancio físico y el stress provocaron dificultades en las relaciones internas, puntualmente entre Ritchie Blackmore y Ian Gillan, quienes en un principio eran grandes amigos. La fama estaba cobrando sus víctimas dentro de Deep Purple puntualmente en los egos personales y por otra parte el mantener el control absoluto dentro de una banda que cada día se hacia más grande. Es precisamente en este período que Ian Gillan decide ponerle el punto final a su participación como miembro de Deep Purple, partida que debió posponer casi un año después básicamente por los contratos previos que la banda tenía, a pesar del impacto que produciría su partida el resto de los miembros no mostraron mayor preocupación, esta actitud solo acrecentó el abismo que ya había entre Ian Gillan y el resto de los miembros, a pesar de estos problemas en Agosto de 1972 la banda se embarca en la gira por Oriente la que queda registrada y luego publicada en enero de 1973 en el afamado álbum en vivo Made in Japan, álbum que mantiene el récord de "el álbum en vivo más vendido en la historia de la música".

Entre estas extensas giras y pequeños recesos graban lo que sería el último disco de estudio de la formación Mk II, Who Do We Think We Are, sin embargo estos nuevos temas no son interpretados en vivo salvo la canción Mary Long, principalmente por no contar con el tiempo suficiente para ensayarlos, por lo que en las sucesivas giras solo se avocan a la interpretación de material antiguo. Así llega Junio de 1973 y tras su última presentación junto a la banda el día 29 de este mes en Osaka, Japón, Ian Gillan finalmente abandona Deep Purple, retirandosé completamente del mundo de la música preocupandose solamente de sus negocios personales hasta que en 1975 reaparece en vivo junto a Roger Glover. Ya con Gillan fuera de la banda el bajista Roger Glover a pesar de su solvencia y calidad musical es despedido por los demás miembros sin motivos justificables, lo cual lo dejaría con una profunda depresión, tras superar este episodio comenzaría una carrera como productor musical de nacientes bandas como Status Quo y Nazareth, y en el año 1974 edita su primer álbum en solitario titulado The Butterfly Ball, obra basada en un libro infantíl del mismo nombre en donde cuenta con la colaboración de David Coverdale, Glenn Hughes, Mickey Lee Soul y Ronnie James Dio en otros, Ian Gillan colaboraría en la presentación en vivo de esta obra en el Royal Albert Hall de Londres, luego vendrían otras producciones, Elements de 1978, The Mask de 1984 y Snapshot de 2002, también forma parte de la banda de Ritchie Blackmore Rainbow y en 1988 edita un álbum junto a Ian Gillan titulado Accidentally On Purpose.

Ian Gillan por su parte reaparece en la escena musical en el año 1976 con su banda Ian Gillan Band y el álbum Child in Time, ese mismo año se edita el álbum Clear Air Turbulence, Scarabus de 1977 y por último Live At the Budokan de 1978, acorta el nombre a la banda llamándose solamente Gillan, con esta se editan los álbumes The Japanese Álbum y Mr. Universe de 1979, justo en este periodo cuando por fin esta cerca la consolidación musical, Ian Gillan, recibe una desagradable noticia, debe cancelar todo y someterse lo antes posible a una operación, la causa, nódulos en sus cuerdas vocales, todo el trabajo realizado vuelve a fojas cero, una vez recuperado edita el álbum Glory Road de 1980, Double Trouble de 1981 y Magic de 1982, para en 1983 ingresar como vocalista a las filas de Black Sabbath editando el álbum Born Again, en 1988 edita junto a Glover el álbum Accidentally On Purpose, cambia su nombre artístico al de Garth Rockett & the Moonshiners, lanzando en 1990 Live At the Ritz, y por último editando álbumes con su nombre Ian Gillan, Naked Thunder de 1991, Toolbox de 1992, también en este año se edita el álbum titulado Cherkazoo and Other Stories, el cual contiene una compilación de grabaciones realizadas entre 1973 y 1975 pero que nunca habían sido editadas, DreamCatcher de 1998 y el reciente Gillan´s Inn de 2006.

Volviendo a la crisis interna en Deep Purple, con la salida voluntaria de su vocalista y obligatoria de su bajista, las gestiones para conseguir sus reemplazos no se hicieron esperar.
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Mk III: Coverdale y Hughes

Mural de David Coverdale en Kavarna, Bulgaria.

Una vez separados Gillan y Glover de Deep Purple, Blackmore tuvo completa libertad para poner en marcha su visión de renovar la banda, planeando una combinación vocal única entre el vocalista de Free Paul Rodgers y el extraordinario Glenn Hughes de Trapeze en el bajo y las voces. Rodgers no aceptó el puesto ofrecido, por lo que es reclutado en agosto el prácticamente desconocido David Coverdale, de registro muy similar al de aquél. La nueva alineación de la banda fue presentada a los medios el 23 de septiembre de 1973 en Clearwell Castle. En febrero de 1974 sale al mercado Burn, que incluye canciones como la homónima «Burn», «Mistreated» o «You fool No One», temas que se convirtieron en nuevos clásicos de la banda y también ayudaron a conseguir mayor popularidad de la que gozaba con sus ex-integrantes. Aunque todavía en la senda del Heavy Rock, 'Burn' incluye ritmos más marcados de Blues, Soul y R&B, sobre todo por la influencia de los dos nuevos componentes.

La primera gira estadounidense de la nueva alineación tuvo su punto más alto el 6 de abril de 1974 en el festival California Jam, contando con la mayor audiencia de la historia de Deep Purple, estimada en más de 200,000 personas. De acuerdo al cronograma Purple cerraba el concierto, pero en último minuto los productores modificaron el orden de presentación dejando a Emerson, Lake & Palmer para el final, lo que desató la ira de Blackmore encerrándose en su camerino sin querer salir al escenario, luego de intensas gestiones por parte de la producción lo convencen de actuar, sin embargo Blackmore ya había ideado la forma de desquitarse, le encarga a su roadie personal que a su señal este incendiara los amplificadores, de paso destroza a golpes una cámara de la cadena estadounidense ABC con su propia guitarra para luego lanzarla al público, tal situación llevó a la banda a hacer una espectacular huida en helicóptero.

En la gira, la música pronto empezó a zafarse de control de Blackmore. Las tendencias funk de Hughes empezaban a ganar terreno, y éste proceso llevó a la grabación del álbum 'Stormbringer' a finales del verano de 1974. Cuando la petición de Blackmore de incluir una versión de una vieja canción de Quatermass titulada 'Black sheep of the family' fue desoída, el guitarrista terminó ocupando un lugar secundario en el estudio. 'Stormbringer', lanzado en diciembre de 1974, tomó forma mezclando Rock, Soul y Funk en una manera muy adelantada a su tiempo. Siguiendo su propia inspiración, Blackmore graba a principios de 1975 su álbum en solista 'Ritchie Blackmore's Rainbow' junto a miembros de la banda Elf, telonera de Deep Purple.

Para el principio de una pequeña gira europea en marzo de 1975, la banda ya sabía que Blackmore estaba decidido a abandonarla. El 7 de abril, en el Paris Palais des Sports, la tercera alineación de Deep Purple da su último concierto.

Para sorpresa de muchos, incluyendo la de la misma banda, Coverdale y Hughes estaban decididos a continuar pese a la salida de Blackmore y pronto todos estuvieron buscando un nuevo guitarrista.
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Mk IV: Comienzo del fin

En Tommy Bolin le pareció a la banda haber encontrado un guitarrista con una percepción natural para todas las direcciones musicales que se estaban introduciendo en Deep Purple. Revigorizada, la banda se concentró en los ensayos para un nuevo álbum en junio de 1975.

A pesar de su corta edad, 24 años, Bolin se había ganado un nombre como guitarrista gracias a su trabajo con músicos de Jazz como Billy Cobham, su paso por la banda James Gang y la colaboración en el álbum de Alphonze Mouzon Mind Transplant de 1975, además de sus anteriores grabaciones con su banda llamada Electric Zephir. Con ella grabó en 1969 el álbum homónimo Zephir, en 1971 edita su segundo álbum Going Back to Colorado, decide abandonar la banda para concentrarse a sus proyectos solistas, es así como en 1975 edita el álbum Teaser, es en este periódo cuando recibe la invitación de incorporarse a Deep Purple, banda que el mísmo reconocería no conocer, a pesar de su fama internacional.

En noviembre de 1975 sale al mercado el álbum 'Come Taste the Band', que puso en evidencia el tremendo talento de Bolin, a pesar de ser tecnica y sobre todo estilisticamente diferente a Blackmore, combinando Rock, Jazz y Funk. El sonido que caracterizó a Deep Purple quedaba apartado.

La gira posterior del disco fue bastante frustrante para los miembros de la banda. La adicción a la heroína de Tommy Bolin le hacía ser bastante irregular en los conciertos, comprometiendo el nombre que se había ganado Deep Purple tras muchos años, evidencia de ello queda registrada en el álbum en vivo titulado Last Concert in Japan, que en principio solo fue editado en ese país. La magia, la fuerza y el sonido ya se habían ido, por lo que solo quedaba la más dura pero inevitable consecuencia, la separación.

El último show de Deep Purple se dio el 15 de marzo de 1976 en el Liverpool Empire Theatre. Coverdale ya se había resignado e incluso ya había hablado con su antiguo camarada de la adolescencia, Micky Moody, para iniciar un nuevo proyecto que terminaría siendo Whitesnake. Lord y Paice también cayeron en cuenta de que la aventura de ocho años de Deep Purple había llegado a su final, y habían empezado a planear su nuevo proyecto junto al tecladista y vocalista Tony Ashton. Los únicos que no estaban enterados de la separación eran Bolin y Hughes.

Tras dos años de proyectos en solitario, David Coverdale inició Whitesnake a principios de 1978, enrolando a Lord y Paice en sus filas a mediados de 1979. Tommy Bolin murió el 4 de diciembre de 1976 debido a una mezcla mortal de estupefacientes y alcohol. Glenn Hughes grabó un álbum en solitario y participó en algunas sesiones, incluyendo su participación como vocalista en el álbum 'Seventh Star' de Black Sabbath. Superó su adicción a las drogas y retomó su carrera a principios de los noventas.
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Mk IIb: La historia continúa.

Tuvieron que pasar 8 años desde la última vez que Deep Purple subió a un escenario, cada uno de sus integrantes abocados a sus proyectos personales, Rainbow, Whitesnake, Gary Moore Band, Ian Gillan Band, eran algunas de las bandas que albergaban a los ex-miembros de Purple, a pesar de tiempo transcurrido, los rumores sobre una reagrupación no se hicieron esperar, además de cuando en cuando aparecían recopilaciones en vivo aumentando la nostalgia en los fans de todo el mundo, hasta que en 1980 una falsa re-encarnación de Deep Purple liderada por el primer vocalista de la banda, Rod Evans, apareció por los circuitos y bares de la costa oeste de los Estados Unidos, interpretando temas en los cuales él no tenía ninguna participación en la composición, el punto negro fue una presentación en México cuando los fans al constatar que sobre el escenario no estaban los miembros originales rompieron todo en señal de protesta, Ritchie Blackmore y Roger Glover entablaron una demanda judicial en L.A. solicitando la prohibición del uso del nombre de la banda, medida que favoreció a los últimos, de paso Evans es condenado a pagar una alta suma monetaria por los daños ocasionados al nombre de la banda, al constatar la imposibilidad de pagar dicha suma el Juez dictaminó en contra de Evans la cancelación de recibos y regalías de los tres primeros álbumes de la banda en donde el aparecía como compositor.

De esta manera llegamos a abril de 1984 los rumores y la esperanza de ver a Deep Purple nuevamente se hace realidad, Blackmore, Gillan, Glover, Lord y Paice los miembros más emblemáticos de Deep Purple, la gran formación Mark II se reagrupa dando inicio luego de casi una década al renacimiento de una de las bandas pilares del Rock, es así como Deep Purple edita un nuevo álbum titulado Perfect Strangers, dando inicio a extensas giras por todo el mundo, el tiempo y la madurez parece haber sepultado definitivamente las desaveniencias de juventud, la fuerza, virtuosismo y solidez musical se ven reflejadas en los posteriores álbumes en vivo lanzados por los sellos, que ven en ellos una mina de oro con aún mucha vida útil y que era necesario seguir explotando, a eso le sumamos la gran cobertura que la prensa en todo el orbe le dedicaba a estos 5 personajes, dieron pie para que la prensa y revistas especializadas otorguen sin problemas los títulos de "Mejor guitarrista, teclista, baterista, etc..del año", como una especie de reivindicación a cada uno de los integrantes, en enero de 1987 editan un nuevo álbum The House of Blue Light, sin embargo aquello que a esas alturas se creía sepultado y al igual que en la década anterior resurge nuevamente, los roces de liderazgo entre Blackmore y Gillan, como resultado este último es despedido del grupo, corría el año 1989 y otra vez la banda se ve en la tesitura de encontrar un nuevo vocalista.
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Mk V: Un paréntesis en la carretera púrpura

El cupo fue ocupado por el ex-Rainbow, el vocalista Joe Lynn Turner. Con el nuevo vocalista en octubre de 1990 sale al mercado el álbum Slaves & Masters, con un sonido mucho más melódico y armonioso que sus antecesores, lejos del sonido característico, pero sin desconocer que aquellas composiciones no eran tampoco absolutamente desechables, Ritchie Blackmore apuesta por la construcción de memorables melodías y en cierta forma parece lograr aquello, mucho de ello también es merito del nuevo vocalista, sin embargo en vivo la historia era diferente, a pesar de interpretar clásicos del "Mk III", temas vetados por Gillan, comenzando los conciertos con el memorable «Burn», e incorporando en el Set list el clásico «Hey Joe», los resultados no fueron del agrado del resto de la banda a excepción de Blackmore que considera a este álbum uno de sus favoritos. Debido a la presión de los fans que definitivamente no aceptaban esta nueva formación, voluntades internas y del propio sello discográfico, despiden a Turner mientras realizaban las grabaciones del siguiente álbum. Nuevamente es convocado Ian Gillan a la banda pero esta vez sin la venia de Ritchie Blackmore.
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MkIIc: La batalla del odio continúa

Cuando Ian Gillan se reincorpora a la banda el nuevo álbum se encuentra a medias. Gillan decide re-escribir las letras. El resultado es The Battle Rages On, álbum lanzado en julio de 1993, título que refleja de cierto modo el tenso ambiente interno. No obstante, en esta entrega emerge nuevamente el sonido característico de la banda con temas sólidos como el homónimo «The Battle Rages On», «Anya», «Nasty Piece of Work» o «A Twist in the Tale»; el álbum es simplemente genial en su esencia Rock, incluso los propios miembros de la banda no dudan en calificarlo como el mejor álbum hecho hasta esa fecha. Aunque la banda consigue mantener su sonido y gracias a ello poner en operación una vez más a esta máquina musical, y a pesar de tener toda la tecnología disponible a su alcance y lo satisfactorio del resultado, los problemas y roces de dos de sus miembros tienen mucho más peso a la hora de evaluar la continuidad de la banda, al punto de que la única solución es la salida de Blackmore o de Gillan.

Comienza la gira de promoción del álbum, recorriendo EE.UU. y Europa. En el escenario se logra percibir el ambiente enrarecido entre los integrantes del grupo, bises en donde Blackmore acompaña a la banda con su guitarra pero él detrás de los amplificadores, o simplemente retirándose dejando a sus compañeros sobre el escenario, Gillan haciéndole reverencias sarcásticas al aparecer aquél en escena (mucho de lo cual puede apreciarse en el video oficial titulado "Come Hell or High Water"). En fin, sin duda alguna una batalla de egos insuperable. En medio de la gira japonesa Blackmore decide poner fin a su continuidad en la banda.
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Mk VI: La formación under

A pesar de los contratiempos, los demás miembros deciden terminar la gira y los compromisos pendientes, es así como contactan al guitarrista Joe Satriani quien venía recién saliendo del estudio de grabación y disponía de algún tiempo para apoyar a Deep Purple. Su excelente desempeño -una equilibrada mezcla entre la fidelidad de las versiones y su toque personal- puede apreciarse en los bootlegs de audio y video (por ejemplo, el audio titulado "Flying in a Purple Dream"). Su llegada no sólo supuso una afortunada salida de la crítica situación, también gracias a su impecable trabajo fue considerado como un potencial reemplazo de Blackmore. Sin embargo, Satriani debía cumplir sus compromisos con su sello disquero, por lo que prefirió seguir su carrera como solista, no sin antes recomendar a Steve Morse para el puesto.
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Mk VII: Un nuevo aire púrpura

Es así como el guitarrista norteamericano Steve Morse, quién había participado anteriormente en las bandas Dixie Dregs y Kansas y que además tiene la suya propia Steve Morse Band (en donde lo acompañan Dave LaRue en el bajo y Van Romaine en batería) se integra al grupo sin ningún inconveniente. Su incorporación supuso un cambio del estilo musical de la banda, caracterizado por el virtuosismo y su técnica de guitarra que resulta mucho más moderno que el sonido clásico de Ritchie Blackmore. En febrero de 1996 se lanza al mercado la excelente producción Purpendicular, y comienzan nuevamente una gira por todo el orbe, esta vez llegando incluso hasta Sudamérica.

Argentina, México, Brasil, Bolivia, Perú y Chile son los países seleccionados para la gira Sudamericana. En su presentación debut en Chile, ocurre un episodio lamentable para la banda. Tal fue el nivel de convocatoria y efervescencia de Deep Purple en los fans locales que al comenzar el show el público ocupó sectores para ellos "prohibidos", como la torre de control. Dada la gran cantidad de público que se subió sobre la torre, esta finalmente terminó por desplomarse cuando la banda tocaba el segundo tema «Fireball». Hubo muchos heridos de diversa consideración pero afortunadamente sin pérdida de vidas. El show se canceló por espacio de 45 minutos al término del cual por decisión de la Banda volvieron al escenario. Jon Lord comentó posteriormente que fue uno de los espectáculos más tristes de su vida.

Por otra parte, Ritchie Blackmore revive a Rainbow en 1995. En esta ocasión él es el único componente original de la banda. El mismo año edita el excelente disco titulado Strangers in us All. Posteriormente y junto a su esposa Candice Night forma la banda Blackmore´s Night, con la cual hasta la fecha ha grabado 7 álbumes de estudio, uno doble en vivo y uno compilatorio.

Volviendo a Deep Purple, editan en mayo de 1998 el álbum titulado Abandon, éste fue el último álbum de estudio en el que Jon Lord apareció como miembro del grupo, ya que en el año del 2003 en un concierto de despedida se retiró definitivamente de la banda Deep Purple.
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Mk VIII: La lógica sucesión

Lord es reemplazado por el teclista Don Airey quien cuenta con una larga trayectoria y excelente reputación musical, anteriormente participó con ex-purples en bandas como Rainbow y Whitesnake, colaborando con grandes artistas de la escena musical como Gary Moore y Ozzy Osbourne, Don Airey tenía el deseo oculto de formar parte de Deep Purple, siempre consideró la oportunidad de entrar a la banda si alguna vez Jon Lord decidía abandonarla, y en definitiva la partida de Lord le permitió a él cumplir aquel deseo, además por sus capacidades como compositor e intérprete del famoso órgano Hammond era el reemplazo lógico a la hora de evaluar nombres, Deep Purple siempre ha sido una banda de 5 músicos y nada lo va a cambiar, comentaba Roger Glover, desde el primer ensayo, Don fue integrado en la composición de las canciones al igual que Jon lo hizo antes". De esta forma y tras varios cambios internos a través de los años la banda queda finalmente conformada por Ian Gillan en la voz, Roger Glover en el bajo, Steve Morse en la guitarra, Don Airey en el Organo Hammond y teclados y finalmente Ian Paice en la batería, configurando la formación Mk VIII.

Con el nuevo integrante, Deep Purple lanza al mercado en agosto del 2003 el álbum Bananas (álbum) y finalmente en julio del 2005 editan el álbum Rapture of the Deep. Que luego seria editado en 2006 en formato doble como Rapture of the Deep Tour Edition contando este con temas indispensables en las actuales giras como «The Well Dressed Guitar» o «The Thing I Never Said».

En 2007 editan el primer DVD en vivo oficial con Don Airey se trata de la grabación del concierto en el famoso Montreaux Festival en su 40 aniversario , El DVD llamado Live At Montreaux 2006 They All Came Down To Montreaux cuenta como DVD extra un show en Hard Rock Cafe de Londres.

En la gira 2006/2008; destaca su espectacular concierto del 28 de abril de 2007 en el recién inaugurado "Nuevo Wembley" de Londres (Reino Unido) junto a Styx y Thin Lizzy. Las críticas son sensacionales y destacan que los Purple son como el vino: "con los años tocan cada vez mejor".2

Deep Purple finalizó con la gira Sudamericana de 2008 en donde dio tres shows en México (14, 16 y 17 de febrero), uno en Lima, (Perú) (20 de febrero); 3 shows en Brasil (el 22 de febrero en Río de Janeiro; el 23 en Curitiba y el 24 en San Pablo), dos en Argentina (26 de febrero y 2 de marzo en Buenos Aires3 ), dos en Chile (el 28 en Concepción y el 1º en Santiago de Chile), uno en Ecuador (el 6 en Quito) y uno en Venezuela (el 8 en Caracas) y de esa manera Deep Purple cerró con excelentes niveles de asistencia la tercera gira sudamericana luego de la presentación del ya mencionado Rapture of the Deep. En todas estas ciudades la banda fue cordialmente recibida por los fans latinoamericanos que integran la Comunidad Púrpura en habla castellana.4

Ahora los músicos continuarán con sus proyectos personales para ir de nuevo a Europa a cerrar la última gira de presentación del último disco (van a ser el grupo que cierre como en el último año el prestigioso festival de Montreux el 19 de julio). Luego la banda se tomará unas merecidas vacaciones e irá al estudio a grabar lo que sería su placa número 19 en el mercado.5

El grupo volvió a Latinoamérica en febrero de 2009 , con tres conciertos en Chile y tres en Argentina. Se presentaron en Buenos Aires y Córdoba los días 20, 21 y 22, y en Chile en Puerto Montt, Santiago de Chile y Antofagasta los días 24, 26 y 28, respectivamente.6 7
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Y continúan las giras

Durante todo el 2010 el grupo se presento en algunas ciudades del continente asiático (Taiwan, Malasia, Corea China y Singapur), Africano y Europeo principalmente, siendo las mas representativas en Australia (abril),Francia y Alemania (Noviembre y Diciembre) con llenos absolutos.

Durante 2011 tuvieron 4 presentaciones en México ( 22 y 23 de febrero Ciudad de México, 24 en Monterrey y 27 en Guadalajara) y regresaran a Turquía el 18 de mayo después de su presentación emotiva el 20 de julio de 2009 y el 20 de mayo de 2011 se presentaran en Atenas, Grecia. Curiosamente es el mismo orden de presentaciones que realizo la Banda en estas 2 ultimas ciudades en Julio de 2009.

Deep Purple para un buen tiempo

Recientemente Ian Gillan ha declarado que aún a la edad que tienen, sienten mucha energía para continuar pisando los escenarios por muchos años más, ya que no planean desintegrar la banda. Asi mismo refiere que él podría seguir tocando hasta sus noventa años.

Asi mismo comenta que le encanta ver gente joven durante sus presentaciones ya que "ellos tienen demasiada energía y la energía circula y eso es inspiracional. La gente grande llega y se sienta, están como tiesos."

Cream

Cream fue una banda de rock británica de los años 60. Fue uno de los primeros y más célebres power trios y supergrupos de la década. Estaba formada por Eric Clapton en la guitarra, Jack Bruce en el bajo y como vocalista y Ginger Baker en la batería.

Esta formación dio lugar a una de las más vitales y efectistas bandas entre 1966 y 1968. Su sonido combinaba el blues de la guitarra de Clapton con la potente voz y las intensas líneas de bajo de Bruce y la batería con influencias del jazz de Ginger Baker.

Cream es considerada una banda adelantada a su época y de una influencia inconmensurable. Supuso el adiós del pop por la vía del blues y la búsqueda de mayor amplitud conceptual para el rock en un estilo denominado entonces música underground. Junto con The Jimi Hendrix Experience, causó un gran impacto sobre la música popular de la época, ofreciendo un sonido potente aunque cargado de virtuosismo, que hizo sombra al nacimiento de bandas como Led Zeppelin, Deep Purple o The Jeff Beck Group a finales de los 60. Las actuaciones en vivo de la banda influenciaron a grupos de rock progresivo como Rush, jam bands como The Allman Brothers Band, Grateful Dead o Phish, o bandas de heavy metal como Black Sabbath.

En la discografía de Cream aparecen temas de blues tradicional como Crossroads y Spoonful, y de blues moderno como Born Under a Bad Sign, así como temas más exóticos como Strange Brew, Tales of Brave Ulysses o Toad. Entre sus mayores éxitos aparecen I Feel Free, Sunshine of Your Love, White Room, Crossroads y Badge.

Eric Clapton (30 de marzo de 1945, Ripley, Surrey), había sido miembro de los Yardbirds y los Bluesbreakers de John Mayall.

Jack Bruce (14 de mayo de 1943, Glasgow, Escocia), había estado con Manfred Mann y Graham Bond.

 Ginger Baker (19 de mayo de 1939, Lewishan, Londres) .

 

En julio de 1966, la trayectoria de Clapton con The Yardbirds y John Mayall & the Bluesbreakers le había valido la reputación de mejor guitarrista de blues en Gran Bretaña. El virtuosismo de Clapton inspiró a uno de sus fans a pintar las palabras "Clapton es Dios" ("Clapton is God") en la pared de una estación de metro de Islington, en Londres, hecho que se repetiría a lo largo y ancho de toda la ciudad. Clapton, sin embargo, no se sentía realizado en la banda de Mayall, y decidió ampliar su estilo tocando en una nueva banda.

En 1966, Clapton conoció a Baker, el entonces líder de la Graham Bond Organisation, en la que también había participado Jack Bruce en el bajo, la armónica y el piano. Baker también se sentía agobiado en la GBO, y estaba harto de la adicción a las drogas de Graham Bond y de sus arranques de inestabilidad mental. "Siempre me había gustado Ginger", explicaba Clapton. "Ginger vino a verme tocar con John Mayall. Después del concierto me llevó a casa en su coche. Yo estaba muy impresionado con su coche y su manera de conducir. Me contó que quería montar una banda, y yo también había pensado en ello." Ambos estaban impresionados con la forma de tocar del otro, lo que llevó a Baker a invitar a Clapton a unirse a su nuevo grupo, aún sin nombre. Clapton aceptó inmediatamente, con la condición de que Jack Bruce fuera el bajista del grupo, con lo que Baker estuvo de acuerdo.

Clapton había conocido a Bruce durante la breve participación del bajista en los Bluesbreakers en marzo de 1966; los dos también habían trabajado juntos en Powerhouse, un grupo creado para un solo disco, formado también por Steve Winwood y Paul Jones. Impresionado por la voz y la destreza técnica de Bruce, Clapton quiso trabajar con él de forma estable.

Lo que Clapton no sabía era que, estando Bruce en la banda de Bond, él y Baker habían tenido sonoras disputas. Pese a que ambos eran excelentes músicos de jazz y se respetaban mutuamente, los límites de la GBO se mostraron demasiado reducidos para sus egos. Su volátil relación incluía peleas en el escenario y sabotajes en los instrumentos. Después de que Baker expulsara a Bruce del grupo, este continuó acudiendo a los conciertos; Baker llegó a amenazarle con un cuchillo, y Bruce se alejó definitivamente de la banda.

Pese a todo, Baker y Bruce fueron capaces de apartar sus diferencias por el bien del nuevo trío, que se reveló colaborativo, con todos los miembros contribuyendo en la música y las letras. La banda recibió el nombre de "Cream", debido a que Clapton, Bruce y Baker eran considerados "the cream of the crop", la flor y nata de entre los músicos de blues y jazz de la emergente escena musical británica. Antes de decantarse por "Cream", también barajaron el nombre de "Sweet N' Sour Rock N' Roll". Del trío, Clapton tenía la mayor reputación en Inglaterra, pero era absolutamente desconocido en los Estados Unidos; había dejado The Yardbirds antes de que "For Your Love" alcanzara las listas de ventas norteamericanas.

Cream hicieron su debut no oficial en el Twisted Wheel Club de Manchester el 29 de julio de 1966. El debut oficial se produjo dos días más tarde en el "Sixth Annual Windsor Jazz & Blues Festival".

Al ser un grupo nuevo y con pocas canciones propias, Cream reinterpretó algunos temas de blues que emocionaron al público y les valieron una calurosa acogida. En Octubre, tuvieron la oportunidad de tocar con Jimi Hendrix, que acababa de llegar a Londres. Hendrix era un fan de la música de Clapton, y quería una oportunidad de tocar en directo con él. Hendrix fue presentado al grupo por Chas Chandler, bajista de The Animals y manager de Hendrix.

Fue en los comienzos del grupo cuando se decidió que Bruce sería el cantante principal. Aunque Clapton era tímido para cantar, a menudo hacía las armonías para Bruce, e incluso puso la voz principal a algunos temas destacados de Cream como "Four Until Late", "Strange Brew", "Crossroads" o "Badge".

 El álbum debut de Cream, Fresh Cream, fue grabado y publicado en 1966, y alcanzó el #6 en las listas inglesas y el #39 en las americanas. Consistía principalmente de versiones de blues, como "Four Until Late", "Rollin' and Tumblin'" (escrita por Muddy Waters), "Spoonful" (escrita por Willie Dixon y grabada por Howlin' Wolf), "I'm So Glad" o "Cat's Squirrel". El resto del álbum lo formaban canciones escritas por Jack Bruce, destacando "Wrapping Paper" y "I Feel Free" (que fue un éxito como single en Gran Bretaña, pero en EE.UU. sólo aparecía en el disco), además de un par de canciones escritas por Ginger Baker (una de las cuales, "Toad", contenía uno de los primeros ejemplos de solo de batería en la historia del rock).

 
Cream visitó por primera vez los Estados Unidos en marzo de 1967 para tocar nueve noches en el RKO Theater de Nueva York. Volvieron para grabar Disraeli Gears en Nueva York entre el 11 y el 15 de mayo de 1967. El segundo álbum de Cream se publicó en noviembre de 1967 y alcanzó el Top 5 de las listas a ambos lados del Atlántico. Producido por Felix Pappalardi (que más tarde fundaría el cuarteto Mountain, inspirado en Cream) y el ingeniero Tom Dowd, fue grabado en los Atlantic Studis de Nueva York. Disraeli Gears suele interpretarse como un intento de la banda por definirse, fusionando con éxito rock psicodélico británico y blues americano. También fue el primer álbum de Cream formado principalmente por canciones originales, con sólo tres de las once pistas escritas por otros músicos. Disraeli Gears no solo incluye los éxitos "Strange Brew" y "Tales of Brave Ulysses", sino también la célebre "Sunshine of Your Love".

 
Pese a que el álbum está considerado como uno de los mejores trabajos de Cream, nunca estuvo muy representado en sus conciertos. Aunque tocaban habitualmente "Tales of Brave Ulysses" y "Sunshine of Your Love", un setlist consituido por varias canciones de Disraeli Gears fue rápidamente sustituido a mediados de 1967, introduciendo largas improvisaciones de blues en lugar de canciones pop más cortas. Sólo "We`re Going Wrong" aparecía ocasionalmente en sus actuaciones. De hecho, en su reunión en 2005, Cream sólo tocaron tres canciones de Disraeli Gears: "Outside Woman Blues", "We're Going Wrong" y "Sunshine of Your love".

A finales de 1967, alargaron sus improvisaciones en directo, llegando a estirar algunas canciones hasta los 20 minutos. Según Jack Bruce, estaban obligados a ello, o de lo contrario el público se pondría furioso, pidiendo la devolución del dinero de la entrada. Las extensas improvisaciones en temas como "Spoonful", "N.S.U." o "Sweet Wine" se convirtieron en las favoritas en directo. Aun así, canciones como "Sunshine of Your Love", "Crossroads", y "Tales of Brave Ulysses" permanecieron razonablemente cortas.


 

En 1968 llegó la tercera publicación de la banda, Wheels of Fire, que llegó a encabezar las listas americanas. Las grabaciones de estudio de Wheels of Fire mostraron cómo la banda se iba desplazando del blues hacia un rock semi-progresivo, destacado por sus métricas atípicas y el uso de diversos instrumentos orquestales. Sin embargo, la banda grabó "Sitting on Top of the World" de Howlin' Wolf y "Born Under a Bad Sign" de Albert King. Según una entrevista de Clapton a la BBC, la discográfica, que también editaba a Albert King, pidió a la banda versionar "Born Under a Bad Sign", que se hizo muy popular. La canción que abría el disco, "White Room", se hizo habitual en la radio. Otra canción, "Politician", fue escrita por la banda mientras esperaba para actuar en directo en la BBC. El segundo disco del álbum contenía tres grabaciones en directo en el Winterland Ballroom y una más en el Fillmore. El segundo solo de Clapton en "Crossroads" fue elegido como uno de los mejores solos de guitarra de la historia en varias listas. La versión de 16 minutos de Spoonful, de su show en Winterland, se convirtió en su tema más mítico, y uno de los favoritos en los conciertos. El solo de batería de Ginger Baker en "Toad" es reconocido como uno de los mejores solos en directo de la historia del rock.

Tras completar Wheels of Fire a mediados de 1968, los miembros de la banda decidieron que habían tenido bastante y querían tomar caminos separados. Como declaró Baker en una entrevista para la revista Music Mart en 2006, "Llegó un momento en que Eric me dijo: 'Ya he tenido bastante', y le dije que yo también. No podía seguir con ello. El último año de Cream fue agónico. Dañó mi oído de forma permanente, y aún tengo problemas de audición por el desproporcionado volumen durante el último año de Cream. Pero no había empezado así. En 1966, era genial. Realmente fue una maravillosa experiencia musical, pero se acabó convirtiendo en algo estúpido." También, la inflamable relación de Bruce y Baker demostró ser aún peor a causa de la tensión que generó en la banda una gira sin descansos, obligando a Clapton a ejercer una y otra vez el papel de pacificador.

Además, Clapton había sucumbido a los encantos del grupo formado por Bob Dylan, ahora conocido como The Band, y su primer álbum, Music From Big Pink, que supuso un soplo de aire fresco en comparación con la furia y la psicodelia ofrecidas por Cream. A esto se sumaba un cáustico artículo en la revista Rolling Stone (revista que Clapton admiraba), en la que el articulista, Jon Landau, llamaba a Clapton "maestro del cliché del blues". Fue tras la publicación de este artículo que Clapton quiso acabar con Cream y tomar un rumbo musical diferente.

Al comienzo de su gira de despedida el 4 de octubre de 1968 en Oakland, casi todo el repertorio lo formaban canciones de Wheels of Fire: "White Room", "Politician", "Crossroads", "Spoonful", "Deserted Cities of the Heart", y "Passing the Time" tomando el relevo de "Toad" para incluir un solo de batería. "Passing the Time" y "Deserted Cities" fueron pronto eliminadas del repertorio y reemplazadas por "Sitting on Top of the World" y "Toad".

Goodbye

Finalmente, Cream fueron convencidos para hacer un último disco. Este disco, convenientemente titulado Goodbye, fue grabado a finales de 1968 y publicado a inicios de 1969, tras la ruptura de la banda. Aunque el plan era publicar un álbum doble, Goodbye sólo contenía seis canciones: tres grabaciones en directo procedentes de un concierto en el Forum de Los Angeles, el 19 de octubre, y tres nuevos temas de estudio, cada uno escrito por un miembro del grupo. La más destacada, "Badge" fue escrita por Clapton y George Harrison, que también tocó la guitarra rítmica. "I'm So Glad", que ya había aparecido en su versión de estudio en Fresh Cream, se presenta en directo en Goodbye. Fue la única canción que apareció en el primer y el último álbum de Cream.

La gira de despedida de Cream consistió de 22 shows en 19 lugares de Estados Unidos entre el 4 de octubre y el 4 de noviembre de 1968, y dos conciertos de despedida en el Royal Albert Hall de Londres el 25 y 26 de noviembre de 1968. El último concierto de la gira estadounidense tuvo lugar en el Rhode Island Auditorium.

Los dos conciertos en el Royal Albert Hall fueron filmados para un documental de la BBC y lanzado en vídeo bajo el nombre de "Farewell Concert". Ambas actuaciones agotaron las entradas y atrajeron más atención que cualquier otro concierto de Cream, pero la actuación no se considera especialmente buena. El mismo Baker dijo sobre los conciertos: "No fue un buen show... Cream era mejor que eso... Sabíamos que se había terminado. Sabíamos que simplemente estábamos acabando con ello, pasando el mal trago." Las apariciones en directo de Cream ya estaban decayendo. En una entrevista para Cream: Classic Artists, Ginger Baker coincidió en que la banda empeoraba a cada minuto.

Los teloneros de Cream fueron Taste (con un joven Rory Gallagher) y la recién formada Yes, que recibió buenas críticas.
Ruptura

Desde su creación, Cream se tuvo que enfrentar a los problemas que llevarían a su disolución en noviembre de 1968. La rivalidad entre Bruce y Baker generaba tensiones en el seno de la banda, y Clapton sentía que no había suficiente comunicación entre los miembros de la banda. Clapton contaba que una vez, durante un concierto, él dejó de tocar y ni Bruce ni Baker se dieron cuenta, y también decía que los shows consistían en que los componentes del grupo se lucieran. Cream decidió romper en mayo de 1968, durante una gira por los EE.UU. Más tarde, en Julio, se anunció que la banda se disolvería tras una gira de despedida por los Estados Unidos y dos conciertos en Londres, celebrados los días 25 y 26 de Noviembre.

Tras la separación se editan discos con material conocido y actuaciones en vivo. Clapton formaría Blind Faith, otro grupo decisivo, Ginger Baker, Air Force y luego Baker Gurvitz Army. Jack Bruce graba en solitario, con John McLaughlin primero y Larry Coryell, Mike Mandel y Mitch Mitchell después. Forma el grupo West, Bruce and Laing y un supergrupo con Mick Taylor (ex Rolling Stones) y otros, y llega a componer la Jack Bruce Band.

En 1993 se reunieron con motivo de su introducción al Salón de la Fama del Rock. La gran reunión se dio, sin embargo, en mayo de 2005 donde ofrecieron de nuevo una serie de conciertos en el Royal Albert Hall de Londres donde interpretaron nuevamente algunas de sus creaciones más emblemáticas. De estos conciertos se grabó un espectacular álbum doble y un DVD que reune sus más conocidos éxitos. A fines de octubre de 2005 ofrecieron tres conciertos en el Madison Square Garden en Nueva York.
Álbumes
Fresh Cream. Reaction (Diciembre de 1966).
Disraeli Gears. Reaction (Noviembre de 1967).
Wheels of Fire (2xlp, disco 1 en estudio, disco 2 en vivo en el Fillmore). Polydor (Agosto de 1968).
Goodbye (parte en estudio, parte en vivo). Polydor (Marzo de 1969).
Best of Cream (recopilación). Polydor (Noviembre de 1969).
Live Cream (en vivo). (Junio de 1970).
Live Cream Volume II (en vivo). Polydor (Junio de 1972).
Heavy Cream (recopilación). Polydor (Abril de 1973).
Cream Box Set (recopilación 6xlp). Polydor (Octubre de 1980).
Strange Brew: The Very Best of Cream (recopilación). Polydor (Febrero de 1983).
The Very Best of Cream (recopilación). Polydor (Febrero de 1995).
Those Were The Days Box Set (recopilación). Polydor (Septiembre de 1997).
20th Century Masters - The Millennium Collection: The Best of Cream (recopilación). Polydor (Febrero de 2000).
BBC Sessions (recopilación en vivo). Polydor (Marzo de 2003).
I Feel Free: Ultimate Cream (recopilación). Polydor (Mayo de 2005).
Royal Albert Hall: London May 2-3-5-6 2005 (en vivo, 2xcd). Polydor (Octubre de 2005

Jimi Hendrix

En el año 2003, la revista Rolling Stone lo eligió como el mejor guitarrista de todos los tiempos y en 2004 lo incluyó en su lista de los mejores artistas de toda la historia (n.º 6). 

James Marshall «Jimi» Hendrix (nacido como Johnny Allen Hendrix; Seattle, Estados Unidos, 27 de noviembre de 1942 – Londres, Inglaterra, Reino Unido, 18 de septiembre de 1970) fue un guitarrista, cantante y compositor estadounidense. Es considerado  el más grande guitarrista de la historia del rock, además de ser uno de los mayores innovadores y más influyentes artistas en una gran cantidad de géneros.

Hendrix fue introducido en el Rock and Roll Hall of Fame en 1992.

 
En 2009, la revista estadounidense Time lo situó como el mejor guitarrista de guitarra eléctrica de la historia, por delante de B. B. King, Slash, Chuck Berry, Keith Richards y Eric Clapton, entre otros.

Igualmente, en 2003 la revista especializada británica Total Guitar, con el voto de más de 4000 lectores, eligió a Jimi Hendrix como el mejor guitarrista de la historia del rock. Además posee el mejor riff en la historia de la música por su canción «Voodoo Child» según una encuesta realizada en 2009 por la página especializada británica Music Radar, superando a otras bandas de renombre como Metallica, Guns N' Roses, Led Zeppelin y Deep Purple, entre otras.

 Nacido en el King County Hospital de Seattle en el estado de Washington, Estados Unidos, de madre de orígenes nativo americana y padre afroamericano, con el nombre de Johny Allen Hendrix. Le cambiaron el nombre por el de James Marshall Hendrix en memoria del hermano fallecido de su padre Leon Marshall Hendrix.

 

El pequeño Jimi pasó sus primeros años en un barrio muy humilde y tuvo una infancia marcada por el divorcio de sus padres avenido cuando éste tenía apenas 9 años; como consecuencia, fue otorgado en tutela a su abuela paterna Nora Rose Moore, en ese entonces la única persona en grado de garantizarle un mínimo de estabilidad.

Su primer instrumento fue una armónica a los 4 años. Obtuvo su primera guitarra acústica a los 14 años por cinco dólares a un conocido de su padre, reemplazando el ukelele de una sola cuerda que su padre había encontrado limpiando un garaje. Aprendió practicando constantemente, mirando cómo tocaban otros músicos más experimentados como B.B. King; entre otros. En 1958, el año en que muere su madre, su padre le compró su primera guitarra eléctrica, una Supro Ozark blanca, aunque sin amplificador, con la que tocó en varias bandas locales. Ese mismo año su única calificación baja en la escuela fue una F en clase de música. Poco interesado en la escuela, que dejaría antes de graduarse, Jimi comenzó a dedicarse tempestivamente a la música: sus puntos de referencia fueron guitarristas de la escena del blues de Chicago como Elmore James, Muddy Waters o Albert King, por no hablar de leyendas del más sobresaliente delta blues, como Robert Johnson y Leadbelly, y del rock and roll como Chuck Berry.

Elmore James

Muddy Waters

Albert King

Robert Johnson

Leadbelly

Chuck Berry

 
En los inicios de la década del 60, a causa de algunos problemas con la ley, se vio obligado a elegir entre un periodo de reclusión o el alistamiento militar; elegida la segunda opción, Hendrix es alistado el 31 de mayo de 1961 en la 101st Airborne Division y enviado a Fort Campbell, en Kentucky, después de un breve adiestramiento. Su aventura en los rangos militares duró muy poco; frustrado por la rigidez del ambiente e intencionado a dedicarse a la música, Jimi Hendrix decide poner punto final a su periodo bajo las armas, visitando varias veces al psicólogo del ejército declarando ser homosexual. Tomando en cuenta algunas entrevistas dejadas por Hendrix a propósito, en cambio, parece que con el fin de obtener la baja adujo problemas en la espalda producto de un salto en paracaídas.

Una vez obtenida la baja, "Buster" (como le conocían muchos amigos y familiares) fijó su residencia en las cercanías de Clarksville, en Tennessee. Comenzó a actuar en público en 1962 con el grupo formado junto a su amigo Billy Cox, los King Casuals. El grupo comenzó a presentarse en locales de la zona hasta que la formación entera decidió trasladarse a Nashville. La actividad del grupo se desarrollaba esencialmente en locales de la zona de Jefferson Street, tradicionalmente considerada el corazón de la comunidad afroamericana de Nashville y conocida por la intensa escena rhythm and blues que en aquel periodo se estaba desarrollando; este ambiente propició e influenció las primeras experiencias "en vivo" de Hendrix.

 

King Casuals

Durante los tres años siguientes Jimi llevó una vida errática, formando parte en la gira del llamado Chitlin' Circuit y convirtiéndose en una presencia fija mediante una interminable serie de exhibiciones, tanto de guitarrista de los King Casuals como en grupos de soporte para un gran número de músicos blues, rhythm and blues y soul como Chuck Jackson, Slim Harpo, Tommy Tucker, Sam Cooke y Jackie Wilson. El periodo transcurrido en el Chitlin' Circuit resultó fundamental para su formación musical y estilística; en este contexto Hendrix definió su actitud y consolidó su conocimiento de las raíces del blues.

 Una vez terminado con lo que más tarde se reveló ser su periodo de aprendizaje, en un intento de dejar atrás el contexto de racismo y degradación que había encontrado en el sur del país norteamericano, Hendrix decide trasladarse a Nueva York. En enero de 1964, el guitarrista se muda al barrio de Harlem, donde consolidó una estrecha amistad con los gemelos Arthur y Albert Allen (hoy día más conocidos como Taharqa y Tunde-Ra Aleem). La amistad con los gemelos Allen pronto resultó ser fundamental y destinada a durar en el tiempo, como demuestran algunas colaboraciones en la última parte de la carrera de Hendrix en el interior de sus grabaciones (un ejemplo puede ser considerada Freedom, en la cual los gemelos Allen se ocuparon de los backing vocals acreditados con el nombre de Ghetto Fighters). También resultó fundamental la relación con aquella que más tarde se convertiría en su novia, Lithofayne "Fayne" Pridgeon. Fayne procuró de hecho todo tipo de soporte humano y logístico a Hendrix y se reveló esencial también en su inserción en la escena local gracias a sus conocimientos del ambiente musical underground de Harlem.

Lithofayne "Fayne" Pridgeon

 
Su primera oportunidad de saborear el éxito llegó en 1964, cuando Hendrix fue reclutado como guitarrista de la banda de los Isley Brothers para una gira a través de todo Estados Unidos, incluidos los locales del Chitlin' Circuit. Fue justamente durante aquel periodo cuando tuvo la ocasión de tocar en grabaciones de estudio el tema Testify, single que poco después se convertiría en un éxito radiofónico.

 
Entre 1964 y 1965 comenzó para Hendrix una interminable serie de idas y vueltas desde una banda a la otra: en Nashville dejó a los Isley Brothers para sumarse como guitarrista al grupo de Gorgeous George Odell; llegado a Atlanta formó parte de los Upsetters, entonces grupo soporte de Little Richard donde también militaba el célebre baterista Earl Palmer quien se anticipó al estilo funk. No obstante Little Richard fuese por aquellos tiempos uno de los ídolos de Jimi, ambos entraron en diferentes conflictos durante el tour por las razones más disparatadas; la mayoría se debía a la escasa tolerancia del cantante hacia la teatralidad escénica de Hendrix. Por un breve periodo, Hendrix se separó del grupo de soporte de Richard para seguir en tour a Ike y Tina Turner: pero poco alcanzó, alimentada de las usuales acaloradas actuaciones del guitarrista, para inducir a los dos artistas a reenviarlo a su anterior grupo. De todos modos, la aventura con la banda a la espalda de Little Richard concluiría a los pocos meses, cuando Hendrix fue despedido por haber perdido el tour bus a Washington D. C..

En 1965 Hendrix se unió a la banda neoyorquina Curtis Knight and the Squires, después de haber conocido a Knight en el hall de un hotel —clase media— en el cual ambos habían encontrado hospedaje. 

Siguió un tour de dos meses con Joey Dee and the Starliters antes de regresar nuevamente con los Squires en Nueva York. Finalmente el 15 de octubre de 1965 Jimi obtiene un contrato discográfico de tres años de duración con Ed Chaplin, un empresario al que se comprometió a darle 1 dólar y el 1% de royalty sobre las grabaciones con Curtis Knight. No obstante 13 años más tarde la colaboración con Chaplin fue concluida, el contrato fue apelado con éxito por parte del empresario causando no pocos problemas a Hendrix hasta su resolución. Durante una breve estadía en Vancouver, parece ser que Hendrix tocó con Bobby Taylor & the Vancouvers, bajo contrato con Motown y con Taylor y Tommy Chong (de los Cheech and Chong fame). Chong, de todos modos, afirma que tal episodio nunca existió y sostiene que el hecho viene atribuido a la tendencia de Taylor a agrandar las cosas.

No obstante la inestabilidad del periodo, todas las errabundas experiencias que le vieron protagonista le sirvieron de aprendizaje, permitiéndole enriquecer ulteriormente su considerable bagaje guitarrístico.

En 1966 Hendrix formó su primer grupo bajo el nombre de Jimmy James and the Blue Flames, con una variada formación, incluidos diversos conocidos suyos reclutados en el Manny's Music Shop;31 entre ellos un intrépido californiano de 15 años llamado Randy Wolfe. Habiendo dos Randy en el grupo, Hendrix resolvió la cuestión rebautizando Wolfe Randy California31 a uno y al otro Randy Texas. Randy California se seria convertido más tarde en co-fundador de Spirit junto a Ed Cassidy.

 

Durante esas épocas comenzó a consumir marihuana y LSD, como la gran mayoría de músicos y artistas del momento.

Hendrix y su nuevo grupo llamaron fácilmente la atención de una Nueva York todavía distante de los sonidos y humores de la revolución cultural y musical que estaba por explotar sobre la costa opuesta del país. Fue durante las exhibiciones en el Cafe Wha? ubicado sobre la MacDougal Street en el Greenwich Village, que Hendrix conoció a la cantante y guitarrista Ellen McIlwaine y al guitarrista Jeff "Skunk" Baxter. 

Ellen McIlwaine

Jeff "Skunk" Baxter

Fundamental, en el mismo periodo, fue el conocimiento de Frank Zappa; la leyenda quiso que fuera justamente Zappa a instruir a Hendrix sobre las prospectivas que ofrecía un efecto para guitarra de un nuevo producto destinado a ser famoso: el wah-wah.

1966 fue el año del giro definitivo para Hendrix. Durante una noche en el Cheetah Club, ubicado sobre la West 21st Street, el guitarrista conoció a la entonces novia de Keith Richards, Linda Keith. Los dos se hicieron rápidamente amigos y Linda se esforzó para presentarle a Andrew Loog Oldham, mánager de los Rolling Stones, y al productor Seymour Stein. Ninguno de los dos recogió una impresión positiva del encuentro y —con gran desilusión de Hendrix— toda prospectiva de inserción se esfumó. Lejos de perder los ánimos, Linda insistió en presentarlo a Chas Chandler, en la época bajista del grupo The Animals. El encuentro esta vez resultó fructuoso. En aquel periodo Chandler se encontraba próximo a concluir su historia con los The Animals y estaba en busca de detalles para redefinir su propia situación como productor y mánager; después de un breve encuentro, Chandler comprendió que Hendrix tenía buenas perspectivas por delante y se convenció a sí mismo del hecho de que una versión de un blues de Billy Roberts, Hey Joe, propuesta según el estilo agresivo con fuzz que el guitarrista le había ilustrado podía convertirse en un "single" de lanzamiento.

Hendrix se esforzó en buen grado para elaborar una versión propia de Hey Joe; el resultado entusiasmó a Chandler hasta el punto de inducirlo a llevar al guitarrista a Londres para firmar un contrato con el soporte del mánager saliente de The Animals, Michael Jeffrey. El paso sucesivo tenía que ser el de acercarle algunos músicos adecuados al nuevo sonido que tenían en mente. Después de algunas audiciones se decidió en estructurar la formación sobre un modelo power-trio (en la época muy de moda, visto también el éxito de los entonces recién nacidos Cream) y los personajes elegidos para ese fin, ambos ingleses, fueron el guitarrista Noel Redding, relegado al bajo y el pirotécnico baterista Mitch Mitchell.

 

Había nacido la Jimi Hendrix Experience.

El sonido del trío se reveló como una novedad absoluta; desde las primeras exhibiciones en Europa, las visionarias escaladas sonoras de Hendrix sostenidas por la furiosa batería de Mitchell y de las líneas esenciales del bajo de Redding, crearon enorme impresión en el mundo de la música londinense, dando vida a un pasaje de voz sin precedente entre los artistas y grupos que animaban la escena del Swinging London en aquel entonces. La salvaje actitud "en vivo" del guitarrista creó suspiros angustiosos en artistas ya afirmados como Eric Clapton y Jeff Beck de los Yardbirds, y el aura que lo acompañaba le permitió muy pronto de entrar en el panteón de la música rock de la época, al punto que los músicos de The Who se empeñaron en que Hendrix aceptase una propuesta de su discográfica, la Track Records.

El primer tema ofrecido a la prensa fue justamente Hey Joe, retocado un poco con respecto a las intenciones iniciales debido a la salida de la versión del cantante folk Tim Rose, pero siempre adecuado al estilo de Jimi. En el lado B del "single" se encontraba Stone Free, un blues de tono grave, áspero y alucinado elegido entre sus primeras composiciones. La respuesta de las ventas fue notable y vino confirmada por los dos temas que le siguieron: Purple Haze y The Wind Cries Mary; las canciones en cuestión se volvieron pilares importantes en los fogosos actos en vivo del grupo, acompañadas de clásicos del blues como Killing Floor de Howlin' Wolf (con el que normalmente abrían sus conciertos), Rock Me Baby de B.B. King y Wild Thing de The Troggs.

 
En mayo de 1967, Are You Experienced? obtuvo una excelente respuesta de ventas en el viejo continente, interrumpiendo su propio ascenso al segundo lugar en la lista de éxitos británica por detrás de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles. De todos modos, la Experience estaba en busca de la ocasión perfecta para desembarcar en USA, donde aún era desconocida.

 

La ocasión se presentó en junio de 1967, cuando el grupo fue invitado —por medio de Paul McCartney — a la histórica edición del Monterey International Pop Festival llevada a cabo el 16, 17 y 18 de junio de aquel año y generalmente considerado el evento de arranque del llamado "largo verano de amor" que popularizó al movimiento hippie en el mundo. La oportunidad se reveló extremadamente favorable para Hendrix: además de la importante repercusión que el evento tendría en todo el país norteamericano, su actuación sería inmortalizada en el documental que devendría tiempo más tarde del festival. La Experience no dejó escapar la ocasión y realizo una de las exhibiciones más aclamadas del evento, además de una entre las mejores de sus actuaciones en directo. En 40 minutos de concierto, Hendrix utilizó su Stratocaster en un modo hasta ese momento jamás visto, llegando a hacer mímica de actos sexuales, hacerla sonar con los dientes, por detrás de la espalda, contra el soporte del micrófono y hasta contra su amplificador causando un acople ensordecedor. Al término de la exhibición, para remarcar su furiosa necesidad de extraer nuevos sonidos al instrumento, le dio fuego con gas líquido para encendedores y la destruyó contra el palco y amplificadores en un éxtasis de feedbacks alucinantes.

 
El año 1967 vio la salida del sucesor de Are You Experienced? titulado Axis: Bold as Love, igualmente marcado por la poderosa vena ácida y experimental de su antecesor, pero caracterizado por sonidos menos ásperos y más cercanos al funk de James Brown, Blues y Rhythm and Blues. Con Bold as Love Hendrix proseguiría con su búsqueda sonora, experimentando con variaciones sobre los dos canales de salida estéreo, obteniendo resultados sonoros absolutamente innovadores. El disco fue además íntegramente grabado con la afinación de la guitarra disminuida medio tono, característica destinada a convertirse en estándar en la producción del guitarrista.

 El disco es además para recordar por los traspiés que lo acompañaron en las fases previas a su salida.

Sucedió de hecho que Hendrix olvidó la cinta original, ya remezclada de la cara A del disco, en el asiento posterior de un taxi, sin ningún modo de recuperarlo. El hecho constituía un serio problema ya que estos debían haber sido entregados poco tiempo después para la impresión del LP; toda la cara A del trabajo tuvo entonces que ser remezclada a partir de los multitrack del bajo en una única noche de trabajo. Hendrix y su histórico técnico Eddie Kramer afirmarían poco tiempo después no estar completamente satisfechos con el resultado.

Hubo otros contratiempos relacionados con el diseño de la portada: a causa de un absurdo malentendido, el pedido de Hendrix para que el tema se enfocase sobre sus orígenes indígenas —refiriéndose a las tribu de piel roja nativas de Norteamérica— vino totalmente confundida por parte del estudio gráfico británico que se encargaba, y el resultado fue una portada en la cuál Hendrix, Redding y Mitchell lucen los vestidos de las deidades hindúes Durga y Visnú.

 
De todos modos, el álbum resultó todo un éxito, logrando aumentar considerablemente las solicitudes para actuaciones en vivo de la banda y llevando a la Experience a tocar en recintos cada vez más amplios. Lamentablemente, la gira no logró acabar de forma positiva: mientras el grupo se encontraba en Escandinavia por algunos compromisos, la noche del 4 de enero de 1968 Hendrix es arrestado en Estocolmo después de haber devastado una habitación del hotel a causa de las drogas y el alcohol.

La gestación del último LP de estudio de Hendrix, el álbum doble Electric Ladyland, no fue menos problemática que la de Bold as Love. Ya durante las primeras fases de las sesiones Hendrix tuvo que aceptar el abandono por parte de su histórico productor Chas Chandler, literalmente irritado a causa de los numerosos desencuentros con el guitarrista. Su modo de concebir los temas y las grabaciones era totalmente opuesto; si Chandler optaba por tener unos temas convencionales y de duración no superior a 5 minutos, Hendrix rebatía con su estilo absolutamente heterodoxo, tanto en la concepción de las canciones como en sus grabaciones. La influencia de Chandler es evidente en los dos primeros LP de la Jimi Hendrix Experience, donde raramente un tema supera los 4-5 minutos, siguiendo la tradición pop. Al contrario, Electric Ladyland presenta arquitecturas perfectamente en sintonía con el estilo ácido y visionario de Hendrix, compaginando partes breves con larguísimas jam sessions caracterizadas por enormes espacios instrumentales, modalidades notablemente psicodélicas.

La segunda causa de la dimisión de Chandler, puede encontrarse en la indisciplina que Hendrix manifestaba en las sesiones de grabación: mientras Chandler era de la idea de que las grabaciones debían producirse en un breve espacio de tiempo y con todas las ideas en su lugar, Hendrix tendía a dejarse caer en infinitas jam sessions de prueba y afinación con los músicos que le acompañaban, elaborando, re-elaborando, modificando y ampliando aquellas que eran sus ideas de fondo en una continua espiral de creatividad; la mayor parte de las veces sabiendo desde dónde partir pero no a dónde llegar, dejándose guiar únicamente por el instinto. Las sesiones preparatorias para Electric Ladyland estuvieron marcadas por la presencia de numerosos músicos adicionales que iban y venían de los estudios de prueba sin ningún criterio aparente; así fue que a los tres instrumentistas de Experience, se sobrepusieron el célebre teclista Al Kooper, el baterista Buddy Miles además de Jack Casady, bajista de los Jefferson Airplane y Steve Winwood de los Traffic.

No resulta extraña pues, la increíble cantidad de material inédito y alternativo grabado por Hendrix, a pesar de su brevísimo período de actividad, y que puede atribuirse perfectamente a este continuo hacer y deshacer.

Otro aspecto que pudo provocar también el fin del equilibrio fue el exagerado perfeccionismo de Hendrix. El guitarrista, además de exigir cantidades, hasta ese momento impensables, de variaciones de los temas, solicitaba también a sus músicos y técnicos grabar nuevas tomas de las partes de una canción un número indeterminado de veces, en espera de encontrar que la alquimia que éste retuviese fuese la adecuada; la historia quiso que el tema Gipsy Eyes fuese registrado en 43 versiones diferentes antes de que Hendrix encontrara una de su agrado.

Portada de Electric Ladyland

Chandler no fue la única víctima de los ya conocidos "arranques" del guitarrista. En caída libre estaban también las relaciones con el bajista Noel Redding, él también desesperado por las modalidades de trabajo impuestas por Hendrix. No era raro, de hecho, que el bajista abandonase el estudio de grabación para calmarse luego de la enésima bronca con Hendrix, y que a su retorno la línea de bajo estuviese grabada por manos del propio guitarrista durante su ausencia.

La última exhibición británica de la banda tuvo lugar el 24 de febrero de 1969 en la Royal Albert Hall de Londres, con dos apariciones que dejaron el "todo lleno". Los dos conciertos fueron además registrados y filmados con fines documentales para una producción Gold & Goldstein que debería haber sido titulada Experience. Las cintas son aún hoy inéditas.

La frustración de Redding derivaba también del hecho de no sentirse a gusto en el rol de bajista, siendo él un guitarrista.; decide en 1968 formar   su propia banda, los Fat Mattress, que en diversas ocasiones tuvo el curioso rol de teloneros  de la mismísima Experience. A todo esto había que agregar el sufrimiento por la creciente histeria que puntualmente acompañaba los recitales de la Experience: su última exhibición, el 29 de junio de 1969 en el Bob Fey's Denver Pop Festival, estuvo marcada por desencuentros y actos de violencia entre el público, y las fuerzas del orden tuvieron incluso que recurrir a gases lacrimógenos para volver a tomar el control de la situación; con los tres miembros del grupo obligados a huir encontrando refugio en el acoplado de un camión asediados por los fans. La ruptura con Redding fue oficializada al día siguiente.

Además de la disolución de la que fuese su banda original, Hendrix aquel año tuvo que hacer frente a una serie de controversias legales que lo implicaban en la sede penal y civil; el 3 de mayo de 1969 el guitarrista fue arrestado en el Pearson International Airport de Toronto luego de haberle encontrado hachís y heroína en su poder. Durante el proceso Hendrix logró convencer a la corte declarando el hecho de no saber en qué modo las sustancias habían terminado en su equipaje, enfocándose en la tesis de una acción externa. En la sede civil, en cambio, el guitarrista se encontró teniendo que tratar con algunos problemas legales conectados a la disolución del contrato escrito en favor de Ed Chaplin en 1965: el hecho fue resuelto amistosamente, con la disponibilidad del guitarrista a registrar un LP bajo su régimen de producción.

 
El festival de Woodstock de 1969 fue seguramente uno de los eventos más representativos por el ingenio colectivo acarreado a la música de los años 60 y al movimiento flower power. En éste contexto, la actuación de Jimi Hendrix se convirtió en un verdadero y propio símbolo del festival, además del pensamiento pacifista de aquellos años. La exhibición del guitarrista estaba programada para el cierre del evento, la noche del 18 de agosto de 1969, tercero y último de aquellos "tres días de paz, amor y música". A causa de problemas técnicos y logísticos que se verificaron, por no contar con la violenta lluvia que se abatió sobre la zona en mitad del segundo día (durante la actuación de los pioneros en improvisar en el rock, Grateful Dead), su presentación debió ser reprogramada para la mañana siguiente. La inmensa cantidad de fans de los tres días anteriores (más de 500.000 espectadores) se había reducido considerablemente y Hendrix terminó cerrando el recital delante de una audiencia (respetable pero decididamente inferior a las expectativas) de aproximadamente 180.000 espectadores, exhaustos y en muchos casos incluso distraídos y desganados.

El guitarrista se presentó sobre el palco con una formación inédita, anunciada por el presentador como Jimi Hendrix Experience, pero rápidamente vuelta a presentar por el mismo Hendrix como Gipsy Sun and Rainbows: prosiguió una exhibición de dos horas (en absoluto entre las más largas de su carrera). El hecho que más sobresalió en aquella histórica exhibición, fue la celebérrima transfiguración guitarrística operada sobre el tema The Star-Spangled Banner, himno de los Estados Unidos; Hendrix interpretó el tema en una manera salvaje mezclándolo con feroces simulaciones sonoras de bombardeos y ametrallamientos sobre los barrios de Vietnam, sirenas anti-aéreas y otros ruidos de batalla, todo únicamente usando su guitarra.

 
La realidad de los hechos, queda aún en una extrema controversia sobre el significado que Hendrix quiso dar a aquel modo de proponer el himno nacional estadounidense. Si bien su razón sea más bien clara, hay que decir que desde hacía un año aquella versión de The Star-Spangled Banner era propuesta en vivo y el mismo Hendrix se mostró siempre misterioso sobre el tema: en una entrevista sobre el festival de Woodstock el guitarrista se declaró desinteresado a las cuestiones políticas, y a una pregunta más precisa —formulada durante el Dick Cavett's Show— sobre el porqué de su versión tan poco ortodoxa del himno norteamericano Jimi respondió muy tranquilamente "¿Poco ortodoxo? No lo se, a mi me pareció hermoso".

Algunas teorías de que Hendrix fuese de hecho favorable a la intervención bélica en Vietnam quedan totalmente de lado no solo al tomar en cuenta la transfiguración del himno efectuado en Woodstock, sino más bien al escuchar el tema Machine Gun, contenido en su último LP Band Of Gypsys, una explícita canción de protesta en contra de la guerra.
 
El 18 de septiembre de 1970, en Londres (Inglaterra), a los 27 años, James Marshall Hendrix falleció debido a una mezcla de somníferos y alcohol y, al parecer, murió por aspiración de vómito. Esa noche estuvo hasta tarde en una fiesta, y su novia, Monika Dannemann, fue a recogerlo y lo dejó en su apartamento en el Hotel Samarkand. Monika Dannemann asegura en el testimonio original que Hendrix cogió nueve pastillas que le recetaba su médico para dormir, y los médicos atestiguan que el vómito fue provocado por la ingesta excesiva de alcohol.

 
Años después, después de investigaciones, se supo que, en realidad, Jimi no había muerto en ese momento, sino que cuando lo llevaban en la camilla necesitó girar la cabeza para poder devolver en el suelo y el camillero colocó su cabeza sobre la camilla causando así su atragantamiento y fallecimiento.

Actualmente se tiene una nueva teoría sobre la muerte de Jimi Hendrix, proporcionada por uno de los asistentes (roadies) del músico llamado James Wright, el cual redacta en su libro Rock Roadie (2009) que la muerte del artista se debió a que su representante, Michael Jeffery, lo asesinó haciéndole tomar pastillas y vino, ya que iba a despedirlo. Ya muerto el músico, Michael Jeffery podría cobrar el seguro de vida del artista, seguro cuyo beneficiario sería el mismo representante. James Wright explica que todo lo que sabe se lo confesó Michael en una noche de copas, poco antes de morir en un accidente aéreo.

En 2000, se inauguró en Seattle el Experience Music Project (EMP), diseñado por el arquitecto estadounidense Frank Gehry, un museo construido en honor de Jimi Hendrix y de otros grupos estadounidenses de rock de la costa noroeste del Pacífico. El edificio contiene, además de un archivo histórico, varias salas de exposiciones, un laboratorio de música rock, una tienda y un restaurante en el que se celebran actuaciones en directo.

Experience Music Project (EMP)

 
Hendrix era musicalmente empírico, esto significa que no tenía estudios clásicos serios sobre teoría musical. Sin embargo, esto no fue impedimento para lograr generar una musicalidad muy alegórica llena de expresiones orgánicas; él pretendía lograr sonidos naturales y crear secuencias más allá de lo que parecía dar la guitarra eléctrica en aquella época gloriosa de auge y expansión del género, fue un usuario innovador de técnicas auditivas ejemplificando el poderío del feedback y el trémolo, logrando riffs hipnóticos llenos de poder y fuerza; "la guitarra parecía parte de su cuerpo" dice la mayoría que lo admira, sin duda puede sepultarse su imagen en la misma rotonda de los virtuosos, ya que mostró un genio incomparable para lograr elevar a la guitarra como un instrumento ácido, fuerte y pintor de muchas sensaciones anímicas, táctiles y auditivas.